Re-Nace una Estrella
POR: SAÚL ARELLANO MONTORO
14-10-2018 23:20:49
Por cuarta vez en la historia del cine estadounidense Nace una Estrella, escrita por William A. Wellman y Robert Carson, es llevada a la pantalla como una moraleja de amor incondicional y una alerta al sistema que absorbe la libertad creativa de aquellos que elevan la voz para ser escuchados.
En esta ocasión, el actor - y ahora director - Bradley Cooper toma las riendas de la historia para adaptarla a los procesos actuales y permitirse la hombrada de dar una pincelada de rebelión a la industria del Star-System a la que pertenece para entregarnos un producto honesto, inteligente, bien elaborado y amoroso a la vida en pareja.
“TAL VEZ SEA HORA DE DEJAR MORIR LAS VIEJAS FORMAS...”
Todo empezó en 1937 cuando Wellman y Carson presentaron la historia de una joven que quería ser estrella en el Hollywood que estaba en pleno uso de la manipulación de las estrellas prefabricadas para crear un aura de falso glamour para ocultar la podredumbre que se vivía en ese entonces. Una joven de la que se enamora un famoso pero alcohólico actor que pronto es rebasado por el talento de ella viviendo en carne propia la hipocresía del medio. La película tuvo un éxito inusitado entre el público y fue alabada por la crítica como un documento sincero de la fabricación de estrellas en la ciudad del cine estadounidense. En México se estrenó el 3 de septiembre de ese mismo año.
En la versión de 1954 hubo un gran cambio - que a la fecha se conserva para el personaje femenino – de convertirla en cantante en lugar de actriz debido a que la película fue el vehículo para el regreso a la pantalla de Judy Garland. La historia fue adaptada por Moss Hart para lucimiento de Garland que enfrentó el reto y fue una de sus más grandes actuaciones al lado de James Mason como la estrella de cine alcohólica en declive. Las canciones tomaron un lugar preponderante y el mensaje anti-sistema de entretenimiento fue más marcado que en su predecesora. Lo irónico de esta película fue que reflejo sin intención los problemas reales de la actriz y la caída en desgracia de la misma en el hipócrita modo de vida de Hollywood.
Para 1976, los guionistas John Gregory Dunne, Joan Didion y Frank Pierson deciden convertir la historia en algo completamente musical para resaltar los manejos deshonestos de la industria de las bandas, disqueras y representantes de cantantes. Esto era natural porque las dos estrellas de la película eran el cantante/actor Kris Kristofferson y Barbra Streisand que aún cuando dieron una interpretación correcta de cada uno de sus personajes; la química entre ambos no siempre fue la adecuada siendo que a Kristofferson no siempre se le creyó estar profundamente enamorado del personaje de Streisand como debe ser en la historia. Una versión más salvaje y roquera debido a los tiempos setenteros de grandes bandas que llenaban estadios y vivían arrastrando las libertades malentendidas heredadas de los años sesenta.
Las tres versiones compitieron en los Oscar de sus respectivos años ganando mejor guión e historia original en el 37 y mejor canción original en el 76. A ver como le va a esta.
“DIME ALGO ¿ERES FELIZ EN ESTE MUNDO MODERNO?”
Cooper decide tomar lo mejor de las tres historias anteriores para dotar a sus personajes del contexto necesario para que tuvieran su tiempo y desarrollo en concordancia con el tema principal de la historia: El surgimiento de una voz con algo que decir a la multitud.
Desde el principio entendió que la columna vertebral que sostiene esta historia es permitir y preservar el mensaje de libertad y contundencia del individuo contra el sistema. Permitir que el arte destruya los limites para que el impulso creativo este constantemente dotando de motivos y cuestionamientos a la sociedad. Perfiló junto con los guionistas Eric Roth y Will Fetters a Jack y Ally, dos personajes solitarios, con tal necesidad de afecto que sus respectivos demonios los dominaron volviéndolos ajenos a sus sueños y motivos de libertad; y en el momento más inesperado de sus vidas encontrarse, admirarse, ayudarse y desde luego enamorarse. Con una maestría narrativa asombrosa, Cooper dio a Lady Gaga un personaje fuerte que empujó desde abajo para que ella hiciera de Ally no una copia de si misma sino una mujer independiente en la que se dio el lujo, incluso, de parodiarse cuando inició en el mundo de la música valiéndose inicialmente de la imagen para luego centrarse en letra de las canciones prefabricadas.
En esto Cooper fue contundente y es aquí donde toma una notoria desviación de la historia original ya que recalca el canibalismo de la industria tanto musical como del entretenimiento en la impotencia de Jack de ver no solo que Ally se aleja de su mensaje sino también del tiempo que el buscaba a su lado siempre. Por supuesto que el alcoholismo es el recurso al que recurre no solo por enfermedad sino porque en el renacer musical de Jack estaba Ally y al alejarse de él, cae de nuevo en una espiral destructiva que nos hace volver a la historia original para cerrar lo que parecía un giro de tuerca de salvación para lo que ya sabemos y conocemos.
No era necesario, no para el director ni tampoco para los personajes. La historia tiene un camino que Cooper recorrió para salirse cuando debía ser para contar SU historia y recuperar lo conocido para el cierre natural.
“DIME ALGO ¿NO ESTAS CANSADO DE TRATAR DE LLENAR ESTE VACIO?”
La música country es un buen catalizador para contar la historia de Ally y Jack debido a que con las letras se les permite mostrar los sentimientos de ambos.
Jack es un hombre profundamente enamorado, un hombre que, a diferencia de sus anteriores versiones, tiene un sentido de honestidad para Ally que le hace intentar combatir sus demonios sin mucho éxito. Esto no le impide ver que ella se está traicionando y procura hacerla entender sin entrometerse en sus sueños de éxito. Tratando que Ally no tuerza el camino y caiga en la espiral de soledad en la que él vivió tantos años pese a ser la estrella de la música. Un personaje comprometido, tierno y de una humanidad enorme atrapado en la enfermedad del alcoholismo como vía de escape hasta antes de conocerla a ella y aferrarse por voluntad a su energía y pasión.
Por su parte, el personaje de Ally se deja llevar hasta donde ella quiere y aún cuando ella esta igualmente enamorada de él como para permitirle la falta de compromiso con respecto al problema con la bebida y también aceptar el triunfo por su propia luz sin vivir bajo el cobijo de Jack. No depende de él más allá del amor pero también es un espíritu libre que no cree sacrificar su talento en pos de hacer lo que le apasiona.
Por eso acepta sin problema lo superfluo de las letras, vestuarios, coreografías y frivolidades de la música pop que interpreta y que resalta cuando ella compone para conservar lo que la unió a Jack. Rematando en que ella recibe un Grammy y el no solo no ha ganado uno sino que en el supuesto homenaje a Orbison, lo hacen a un lado para ser un guitarra más. Cooper desgarra al personaje en esta secuencia que termina con la decadencia de Jack completamente perdido en su frustración, enfermedad y falta de amor propio derrotado y sin ganas de seguir adelante descuidando el momento de triunfo de Ally. Una secuencia que nos permite regresar a la historia original para establecer el camino al final de todo.
“ME ALEGRO DE NO PODER REGRESAR DE DONDE VENGO...”
En resumen: la versión de Bradley Cooper de Nace una Estrella asombra por el impecable oficio que demuestra como director – aunque Lady Gaga necesitaba más firmeza y orientación en algunas secuencias – para narrar una historia que aborda el amor incondicional de la pareja, los usos y costumbres no siempre correctos que tiene la industria creadora de estrellas y la avasalladora destrucción de la soledad e inseguridad en las almas sensibles.
Una película que demuestra una vez más que la pasión por contar historias es la frescura que se necesita para lograr que el cine cumpla con todos los elementos para los que fue creado. Cooper lo logró y espero que esto le sea reconocido en las premiaciones de su país.
Por cuarta vez en la historia del cine estadounidense Nace una Estrella, escrita por William A. Wellman y Robert Carson, es llevada a la pantalla como una moraleja de amor incondicional y una alerta al sistema que absorbe la libertad creativa de aquellos que elevan la voz para ser escuchados.
En esta ocasión, el actor - y ahora director - Bradley Cooper toma las riendas de la historia para adaptarla a los procesos actuales y permitirse la hombrada de dar una pincelada de rebelión a la industria del Star-System a la que pertenece para entregarnos un producto honesto, inteligente, bien elaborado y amoroso a la vida en pareja.
“TAL VEZ SEA HORA DE DEJAR MORIR LAS VIEJAS FORMAS...”
Todo empezó en 1937 cuando Wellman y Carson presentaron la historia de una joven que quería ser estrella en el Hollywood que estaba en pleno uso de la manipulación de las estrellas prefabricadas para crear un aura de falso glamour para ocultar la podredumbre que se vivía en ese entonces. Una joven de la que se enamora un famoso pero alcohólico actor que pronto es rebasado por el talento de ella viviendo en carne propia la hipocresía del medio. La película tuvo un éxito inusitado entre el público y fue alabada por la crítica como un documento sincero de la fabricación de estrellas en la ciudad del cine estadounidense. En México se estrenó el 3 de septiembre de ese mismo año.
En la versión de 1954 hubo un gran cambio - que a la fecha se conserva para el personaje femenino – de convertirla en cantante en lugar de actriz debido a que la película fue el vehículo para el regreso a la pantalla de Judy Garland. La historia fue adaptada por Moss Hart para lucimiento de Garland que enfrentó el reto y fue una de sus más grandes actuaciones al lado de James Mason como la estrella de cine alcohólica en declive. Las canciones tomaron un lugar preponderante y el mensaje anti-sistema de entretenimiento fue más marcado que en su predecesora. Lo irónico de esta película fue que reflejo sin intención los problemas reales de la actriz y la caída en desgracia de la misma en el hipócrita modo de vida de Hollywood.
Para 1976, los guionistas John Gregory Dunne, Joan Didion y Frank Pierson deciden convertir la historia en algo completamente musical para resaltar los manejos deshonestos de la industria de las bandas, disqueras y representantes de cantantes. Esto era natural porque las dos estrellas de la película eran el cantante/actor Kris Kristofferson y Barbra Streisand que aún cuando dieron una interpretación correcta de cada uno de sus personajes; la química entre ambos no siempre fue la adecuada siendo que a Kristofferson no siempre se le creyó estar profundamente enamorado del personaje de Streisand como debe ser en la historia. Una versión más salvaje y roquera debido a los tiempos setenteros de grandes bandas que llenaban estadios y vivían arrastrando las libertades malentendidas heredadas de los años sesenta.
Las tres versiones compitieron en los Oscar de sus respectivos años ganando mejor guión e historia original en el 37 y mejor canción original en el 76. A ver como le va a esta.
“DIME ALGO ¿ERES FELIZ EN ESTE MUNDO MODERNO?”
Cooper decide tomar lo mejor de las tres historias anteriores para dotar a sus personajes del contexto necesario para que tuvieran su tiempo y desarrollo en concordancia con el tema principal de la historia: El surgimiento de una voz con algo que decir a la multitud.
Desde el principio entendió que la columna vertebral que sostiene esta historia es permitir y preservar el mensaje de libertad y contundencia del individuo contra el sistema. Permitir que el arte destruya los limites para que el impulso creativo este constantemente dotando de motivos y cuestionamientos a la sociedad. Perfiló junto con los guionistas Eric Roth y Will Fetters a Jack y Ally, dos personajes solitarios, con tal necesidad de afecto que sus respectivos demonios los dominaron volviéndolos ajenos a sus sueños y motivos de libertad; y en el momento más inesperado de sus vidas encontrarse, admirarse, ayudarse y desde luego enamorarse. Con una maestría narrativa asombrosa, Cooper dio a Lady Gaga un personaje fuerte que empujó desde abajo para que ella hiciera de Ally no una copia de si misma sino una mujer independiente en la que se dio el lujo, incluso, de parodiarse cuando inició en el mundo de la música valiéndose inicialmente de la imagen para luego centrarse en letra de las canciones prefabricadas.
En esto Cooper fue contundente y es aquí donde toma una notoria desviación de la historia original ya que recalca el canibalismo de la industria tanto musical como del entretenimiento en la impotencia de Jack de ver no solo que Ally se aleja de su mensaje sino también del tiempo que el buscaba a su lado siempre. Por supuesto que el alcoholismo es el recurso al que recurre no solo por enfermedad sino porque en el renacer musical de Jack estaba Ally y al alejarse de él, cae de nuevo en una espiral destructiva que nos hace volver a la historia original para cerrar lo que parecía un giro de tuerca de salvación para lo que ya sabemos y conocemos.
No era necesario, no para el director ni tampoco para los personajes. La historia tiene un camino que Cooper recorrió para salirse cuando debía ser para contar SU historia y recuperar lo conocido para el cierre natural.
“DIME ALGO ¿NO ESTAS CANSADO DE TRATAR DE LLENAR ESTE VACIO?”
La música country es un buen catalizador para contar la historia de Ally y Jack debido a que con las letras se les permite mostrar los sentimientos de ambos.
Jack es un hombre profundamente enamorado, un hombre que, a diferencia de sus anteriores versiones, tiene un sentido de honestidad para Ally que le hace intentar combatir sus demonios sin mucho éxito. Esto no le impide ver que ella se está traicionando y procura hacerla entender sin entrometerse en sus sueños de éxito. Tratando que Ally no tuerza el camino y caiga en la espiral de soledad en la que él vivió tantos años pese a ser la estrella de la música. Un personaje comprometido, tierno y de una humanidad enorme atrapado en la enfermedad del alcoholismo como vía de escape hasta antes de conocerla a ella y aferrarse por voluntad a su energía y pasión.
Por su parte, el personaje de Ally se deja llevar hasta donde ella quiere y aún cuando ella esta igualmente enamorada de él como para permitirle la falta de compromiso con respecto al problema con la bebida y también aceptar el triunfo por su propia luz sin vivir bajo el cobijo de Jack. No depende de él más allá del amor pero también es un espíritu libre que no cree sacrificar su talento en pos de hacer lo que le apasiona.
Por eso acepta sin problema lo superfluo de las letras, vestuarios, coreografías y frivolidades de la música pop que interpreta y que resalta cuando ella compone para conservar lo que la unió a Jack. Rematando en que ella recibe un Grammy y el no solo no ha ganado uno sino que en el supuesto homenaje a Orbison, lo hacen a un lado para ser un guitarra más. Cooper desgarra al personaje en esta secuencia que termina con la decadencia de Jack completamente perdido en su frustración, enfermedad y falta de amor propio derrotado y sin ganas de seguir adelante descuidando el momento de triunfo de Ally. Una secuencia que nos permite regresar a la historia original para establecer el camino al final de todo.
“ME ALEGRO DE NO PODER REGRESAR DE DONDE VENGO...”
En resumen: la versión de Bradley Cooper de Nace una Estrella asombra por el impecable oficio que demuestra como director – aunque Lady Gaga necesitaba más firmeza y orientación en algunas secuencias – para narrar una historia que aborda el amor incondicional de la pareja, los usos y costumbres no siempre correctos que tiene la industria creadora de estrellas y la avasalladora destrucción de la soledad e inseguridad en las almas sensibles.
Una película que demuestra una vez más que la pasión por contar historias es la frescura que se necesita para lograr que el cine cumpla con todos los elementos para los que fue creado. Cooper lo logró y espero que esto le sea reconocido en las premiaciones de su país.
